Céline Sciamma hoje é uma das cineastas mais conhecidas da França, especialmente depois do filme lançado ano passado, Retrato de uma jovem em chamas. Quase que instantaneamente, a obra passou a figurar nas listas de melhores filmes do país. A diretora e roteirista, entretanto, tem uma carreira sucinta e de apenas grandes sucessos, a ver pelo que segue listado aqui. Então, de cara, fica fácil conhecer sua obra inteira e esperar ansiosamente - e respeitosamente, para dar o tempo de maturidade de algo ainda maior que os anteriores - pelo próximo projeto.

Com poucos e imensos filmes na carreira, Céline Sciamma é hoje o grande nome da arte na França. De tudo o que eu vi da autora, gosto de tudo - assim mesmo, radical e redundantemente. Não é à toa e vou me justificar, que elegi a moça, a Artista de Cinema deste nosso julho de isolamento social (importante marcar a duração deste período). Vamos?

Nascida em uma cidade próxima a Paris, Céline Sciamma estudou literatura e depois enveredou para o cinema, se graduando na respeitada La Fémis, em 2005. De lá pra cá, estreou já com um longa metragem, Lírios d'água (2007), com Adéle Haenel, sua parceira de vida por muito tempo e em muitos projetos. Desde sempre, o foco da diretora e roteirista sempre foi ter a mulher como protagonista e tema em suas produções. O tratamento de gênero, maturidade e comportamento são os motes para construir imagens de mulheres reais, em situações possíveis em que não reafirmam um olhar masculino de segundo plano e objetificação. Essa reconstrução da percepção feminina é a marca de seu cinema e nosso imenso ganho em tê-la produzindo. Dá para ter um gostinho da produção dela no curta Pauline (2010), parte de uma série de filmes contra a homofobia, legendado em inglês e grátis no Youtube.

Sciamma se tornou ainda mais célebre ano passado por força de duas situações que se comunicam: o lançamento de Retrato de uma mulher em chamas, certamente um dos melhores filmes de muitos anos (para não ficar apenas em 2019) e sua recusa em aceitar ver Roman Polanski recebendo o César de melhor diretor e roteiro por O Oficial e o Espião (2019). Ela, Adéle Haenel e muitas outras atrizes deixaram o evento. Segundo a diretora, há duas questões aí: é preciso que a França acorde para parar de premiar pessoas com o histórico criminoso do diretor e, por outro lado, encarar a percepção de que no país, como em tantos outros, ainda há uma noção tardia e cruel de aceitação e celebração destas figuras. O que ela pode fazer com relação a isso é seguir produzindo obras contundentes, críticas e renascedoras com espírito e força feministas.

Batalhei para escolher Sciamma como a Artista de Cinema, apenas porque seus filmes não estão nos streamings de maior acesso, mas, ainda assim, dá para encontrá-los facilmente. Artistas como ela são imprescindíveis na trajetória da arte em si, como também para o incremento do nosso acervo cultural e intelectual enquanto indivíduos. Retrato de uma jovem em chamas foi seu filme de maior alcance até hoje e ainda consigo sentir na pele as emoções quando o assisti no cinema. É uma obra sensível, brutalmente inteligente e delicada, que em pouco menos de duas horas, traz um panorama histórico de gênero, comportamento, tradição e cultura de séculos passados e que persiste ainda hoje, de alguma maneira. Ao mesmo tempo, é uma história de amor entre duas mulheres, cuja paixão inicial vai se transformando e até sua manifestação. A forma como o tema do amor é abordado é transformadora e revolucionária. Especialmente se tratando de um romance entre mulheres - indo na contramão do que a indústria cultural e de massa costuma exibir com o tema, como Azul é a cor mais quente (2013), por exemplo.

Céline é mestra em seu trabalho e sua vida e obra se entrelaçam, trazendo suas questões para a nossa discussão, com sensibilidade e reflexão. Na próxima semana, nossa Artista de Cinema volta com uma breve análise sobre seus filmes e a importância deles em nossas vidas. Te espero aqui.  

*Para conhecer nossos outros Artistas de Cinema, clica aqui, em maio e junho.

Hoje é dia de artista de cinema e a essa altura, já sabemos que Céline Sciamma é a escolhida de julho. Nesta terça, é dia de criticar um filme da diretora e como temos duas grandes obras já esquadrinhadas, aproveito para alimentar a nossa cinefilia com a indicação delas aqui.

Laure (Zoé Haren) tem 10 anos e acaba de se mudar com a família para uma nova cidade. Uma tarde, decide sair para conhecer os vizinhos e ao se apresentar, assume o nome de Mikael. A apresentação do filme é seu grande trunfo: as consequências e os comportamentos de Laure na rua e em casa são tão improvisados quanto essa nova identidade que concebeu para si.

O silêncio é a marca maior da produção. Voltando ao cartaz, vemos um mistério no rosto da protagonista. É ela, de cabelos curtos e camiseta, numa expressão séria e uma parede floral ao fundo. Esse é o momento em que sua irmã desenha seu retrato e pede que ela fique quieta enquanto termina. Mas a expressão, a paciência de Laure e o mistério que seu olhar carrega marcam o filme; ela é uma jovem calada. Por ser assim, por guardar para si o que lhe acontece, é que a narrativa funciona.

A questão de gênero e talvez da inocência são mote do filme e nos fazem pensar em quando e de que forma também nossas preferências sexuais são definidas. Laure se enxerga como um menino? Ela quer ser um menino? A protagonista não parece se importar com as diferenças entre ela e os garotos e só soma alguns apetrechos para não quebrar a ilusão criada. Ao mesmo tempo, se deixa maquiar por Lisa que se surpreende em como ela fica bem de menina. Outro destaque é quando sua mãe a obriga a usar um vestido, aumentando a tensão já no desenrolar do clímax. É aqui que percebemos duas fortes questões: como Laure se envergonha de usar a roupa e como sua família se comporta com essa reação. É como se a protagonista quisesse desaparecer, já que não pertence àquela situação e não se enxerga sob aquele figurino/personagem. Na verdade, sua mãe é quem a quer mais feminina – ainda que não imponha isso a maior parte do tempo, deixando-a livre para se vestir como quiser – e o pai está sempre ausente, mas com o abraço consolador que nada resolve, a relação de Laure com sua família acaba de se enchendo de não-ditos e mal-entendidos.

Com um filme tão sensível e tratando de personagens em formação, a diretora ainda teve uma grande ideia: chamar os amigos de Zoé Haren para participarem como atores mirins. Assim, ela ficaria mais à vontade no papel estando diante de conhecidos e a relação entre as crianças seria mais natural. Para fidelizar o personagem, Zoé cortou os cabelos e a transformação funcionou: ao olharmos para esta criança, não sabemos se é uma menina ou menino.

Apesar do filme se centrar na protagonista e na força de sua história, sua irmã não passa despercebida. Jeanne (Malonn Lévana) tem 6 anos, é esperta e atenta. Engraçada como se isso fosse parte não só do personagem como de si mesma, suas sacadas quebram a tensão do filme e trazem leveza, reforçando a intenção da diretora em manter a narrativa focada nas crianças. É ela que tem mais falas no roteiro e quem primeiro instaura a tensão em Laure da descoberta da farsa, quando abre a porta de casa para Lisa, que procura por Mikael.

Tomboy, que não tem palavra similar no português, significa menina que gosta de brincadeiras e atividades tipicamente de meninos. Não suficiente, o filme se apodera do sentido e o estende até o limite; tudo o que encontramos para caracterizar Laure é masculino: o quarto azul sem detalhes femininos, bonecos masculinos, roupas. Ao mesmo tempo, não aparenta uma confusão ou uma negação do corpo, como dito anteriormente. Talvez a idade ainda não propicie mudanças tão drásticas às crianças que ainda estão descobrindo a sexualidade e entrando na adolescência. Não é à toa que Lisa se interessa por ele/ela; já conhece todos os garotos e o mais misterioso e que não é como os outros é Mikael.

Cheio de grandes questões, esse é um filme simples. Com muito pouco e filmado em um verão, é o segundo longa de Céline Sciamma, feito de forma ainda mais enxuta que o primeiro, Lírios d’água (Water Lilies, 2007), que também aborda sexualidade e homossexualismo, só que na adolescência. Acredito, entretanto, que Tomboy não entra nessa classificação que o reduziria, mas como uma obra aberta e sensível. É um filme sobre a infância e o início da adolescência, um período de descobertas e formação, que aqui vivenciamos de forma leve e gostosa, nos permitindo tanto voltar no tempo e lembrar nossa própria história quanto pensar em como seria o futuro desta.

Século XVIII, mulheres usam corpetes para afinar a cintura e manter a coluna ereta. Falam baixo e têm diversas habilidades, como um portifólio para o casamento – além do dote e importância familiar. As relações entre sociedade e intimidade se encontram aqui, em que a primeira é como uma ameaça próxima ao mínimo de liberdade e a segunda é o que nos transforma e identifica como indivíduos singulares. 

No filme deste ano, há menos inocência e mais garra. Marianne (Noémie Merlant) é uma pintora que segue para uma ilha remota com a missão de pintar o quadro de uma noiva. O noivo decidirá, a partir da obra, se esta imagem lhe apetece, se o casamento vai acontecer. A prometida é Heloise (Adéle Haenel), uma jovem atormentada por um passado familiar, cujo reconhecimento de si começará através desta amizade e de outras tantas descobertas. Mas, mais do que um filme sobre um romance, a obra carrega outros significados. É um drama que fala sobre ser mulher em, talvez, todo e qualquer aspecto possível. 

Recordo de uma sequência, em particular, com um grupo de mulheres – havia outras pessoas, mulheres isoladas na ilha, além das protagonistas, que se encontram em um descampado e, quase silenciosas, comungam suas relações de amizade, existência, resistência. Elas então cantam, entoam como bruxas ou corpos solidários, uma irmandade de mulheres que se reconhece e encontra ali, uma força inesgotável. Muitas outras imagens são pintadas além desta e das que Marianne produz, como o mito de Orfeu e Eurídice e a brilhante interpretação de seu desfecho, a coragem para nadar, a cena que remete ao O Sétimo Selo (Ingmar Bergman, 1957). São momentos comuns de nossas vidas, das vidas de nossas amigas e irmãs, primas, mães. São mulheres que abortam, curam e cuidam. São mulheres que carregam a responsabilidade do mundo sem mérito ou lucro.